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Pantalla abierta: cine inédito del MACBA en casa

En Cultura 13 June, 2020

Eva Peydró

Eva Peydró

PERFIL

En tiempos de desescalada, el MACBA nos lleva a casa Pantalla abierta, un ciclo de cine inédito que selecciona obras de su colección, para ofrecernos cada jueves, hasta el 30 de julio y durante 24 horas, vídeos y películas de artistas imprescindibles del audiovisual. A través de la web del Museu d’Art Contemporani de Barcelona, estamos disfrutando de los trabajos de Albert Serra, Pedro G. Romero, Muntadas, Adrian Melis, Itziar Okariz, Pere Portabella, The Otolith Group, Vídeo-Nou, Cabello/Carceller y María Ruido.

Como el MACBA nos recuerda, “El ciclo aborda temas asociados a la inmediatez del presente y a la necesidad de repensar algunos de los retos colectivos que afectan a la humanidad: las formas de trabajo y el régimen de producción en el mundo contemporáneo, el lugar del cuerpo en la construcción del sujeto, los diferentes tipos de malestar en la sociedad de la información, la alianza entre poder y conocimiento o los nuevos retos planetarios del siglo XXI”.

Coincidiendo con el Día de los Museos, se inició el ciclo con la proyección de Singurality, del cineasta Albert Serra, obra presentada en el pabellón catalán de la Bienal de Venecia de 2015, una proyección de una gran complejidad temática y formal que el visitante recorría según su propio criterio. Este largo viaje visual, a través de los entornos oscuros de la minería y la prostitución, aborda la noción de singularidad, término procedente de la matemática que le sirve para repensar la relación contemporánea de los humanos con las máquinas y la misma idea de civilización. Los rasgos característicos del cine Serra, la falta de un relato cerrado, el particular sentido del tiempo, la ironía y la belleza atomosférica definen este proyecto singular.

Archivo F.X.: Entrada: La casa (Pedro G. Romero, 1999-2007)

La obra del artista andaluz, que inauguró el ciclo, expone la realidad del planeamiento urbano y sus implicaciones sociales, analizando cómo los centros históricos se han convertido en parques temáticos invadidos por el turismo descontrolado, las clases con más recursos económicos se han desplazado a zonas residenciales, dejando en las afueras, a la población más desfavorecida, sobre todo inmigrante.

La ciudad vacía es el proyecto “madre” de Archivo F.X., una visión sobre la construcción política de las ciudades modernas. “Para La casa decidimos trabajar en un caso particular en la dinámica de la competitividad en Badia del Vallès. El único piso “liberado” en una ciudad en la que el ciento por ciento de sus pisos son vivienda social”, afirma el autor sobre la obra que se exhibe en Pantalla abierta.

Pedro G. Romero recurre a Israel Galván indicando a través de la danza, en un piso exiguo de estética setentera y ataviado con una camiseta del Barça, la excepcionalidad de un espacio habitacional en el contexto de Ciudad Badia.

TVE: primer intento (Antoni Muntadas, 1989)

El artista catalán, residente en Nueva York desde 1971, es un referente internacional del arte multimedia. Siempre partiendo de un punto de vista crítico y con el objetivo dirigido a temas sociopolíticos y su imbricación con la comunicación, los canales de información y los recursos para manipular, censurar o crear corrientes de opinión. Muntadas acuñó los términos media landscape y critical subjectivity para describir las formas de percibir, pensar y configurar de manera crítica esa realidad, por parte de los observadores concienciados.

El origen de esta película se remonta a 1988, con el encargo de Metrópolis —entonces, el programa de referencia en arte y cultura contemporáneos del segundo canal, minoritario, de TVE— de un monográfico sobre su obra. Muntadas ofreció una contrapropuesta para realizar una película sobre Televisión Española, que fue aceptada.

A lo largo de dos años, Muntadas se documentó en los archivos de TVE donde halló una colección única de filmaciones sobre la España de los años 50-80 convertida en un caos archivístico en deficientes condiciones de conservación. El artista filmó estos hallazgos que, junto a material grabado en aquella época, se convirtieron en la película objeto de encargo. La dirección de Metrópolis abandonó el proyecto, en el que el artista revelaba la pervivencia de una atávica endogamia burocrática procedente del franquismo y que había sobrevivido en democracia, sin ahorrar paralelismos iconográficos entre el dictador y su sucesor, el rey Juan Carlos I, y ese proyecto se incluyó en  The File Room, que documenta la historia de la censura cultural y social desde la antigua Grecia hasta nuestros días.

Pantalla Abierta

Elaboración de cuarenta piezas rectangulares para la construcción de un piso (Adrian Melis, 2008)

Adrian Melis, el prestigiosos artista cubano, focaliza sus obras sobre los sistemas de producción socialistas y capitalistas y las condiciones laborales y conflictos de sus obreros. En sus reconocidas instalaciones y películas aborda la improductividad y la ineficiencia de las estructuras laborales.

En la obra que se puede ver online el jueves 18 de junio, los empleados de un establecimiento de construcción cubano, pasan la jornada laboral de brazos cruzados por falta de materiales para trabajar. Elaboración de cuarenta piezas rectangulares para la construcción de un piso (2008) consiste en la grabación en vídeo de los obreros  (que permanecen fuera de campo) reproduciendo con sonidos guturales el ruido habitual de la producción en el centro de trabajo, así se recrean los sonidos de la hormigonera, las palas o los camiones.

El valor de la ausencia: excusas para ausentarse de su centro laboral (Adrian Melis, 2009-2010)

Una sociedad lastrada por la improductividad y la desmotivación laboral que provoca el sistema socialista de producción es el contexto en el que se fomenta la inventiva de los trabajadores para justificar su absentismo, convertido en una práctica habitual y tolerada. Melis documenta esta conducta grabando a los tramposos cuando comunican por teléfono sus diversas excusas para no ir al trabajo, después de pagarles el equivalente a lo que habrían cobrado por ir a trabajar.

Mear en espacios públicos o privados (Itziar Okariz, 2000-2004)

El jueves 25 de junio tenemos una cita con el accionismo de Itziar Okariz, la videoartista y performer vasca, cuyo trabajo  gira en torno al lenguaje y el cuerpo como dispositivos ideológicos impuestos que configuran la identidad. El trabajo minimalista y repetitivo de Okariz pone en cuestión  convencionalismos y prejuicios sociales. Esta obra comprende una serie de acciones, que tienen como escenario lugares donde la artista, ataviada de negro, con mayor o menor intimidad, micciona de pie a la manera de un hombre.

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La elección del escenario responde a alguna significación social o simbólica. Así, en Nueva York, el 167 Greenpoint Landing (Greenpoint Avenue), el lujoso SoHo Grand Hotel (entre lo público y lo privado) o River Street de Brooklyn (donde orinó encima de un coche). Destaca la acción que incluye a su hija bebé, en el puente Pulansky (Nueva Jersey), vestida de negro como la artista y casi inseparable de esta, subvirtiendo la representación convencial de la maternidad.

Por otra parte, también exploró la construcción de la masculinidad en la performance realizada en la Atle Gerhardsen Gallery de Berlín (2006), donde  Okariz siguió reflecionando sobre la sexualización del cuerpo, la ocultación y la dualidad privado-público.  La artista lo explica así: “Todo esto está, digamos, dentro de un conjunto de acciones ligeramente subversivas, ilegales. Hay muchas cosas que son ilegales de forma absurda, como beber alcohol o mear en la calle. Estas acciones son pequeñas modificaciones de gestos corporales, que de alguna manera ponen de manifiesto la naturaleza de tales gestos como ficciones sociales, su construcción y el carácter no natural de la ficción social.”

Informe General (Pere Portabella, 1976)

Cineasta, político comprometido desde la lucha antifranquista por las libertades, senador, padre de la Constitución española, Pere Portabella es una de las personalidades artísticas que más han contribuido a las propuestas de un cine de vanguardia. Como productor de Films 59, hizo posibles filmes de Carlos Saura  y Marco Ferreri y, en un lugar destacado, la película censurada de Luis Buñuel que triunfó en Cannes, Viridiana (1961). Sus filmes rupturistas Vampir-Cuadecuc (1970) y Umbracle (1972) son dos obras imprescindibles de la vanguardia cinematográfica.

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El dos de julio, y durante 24 horas, podremos ver en la web del MACBA Informe General (1976), película realizada tras la muerte de Francisco Franco, con toda la inmediatez política del momento, que alterna ficción con documental histórico. A lo largo del filme, escrito por Portabella, Octavi Pellissa y Carles Santos (autor también de la música), se entrevista a políticos, sindicalistas de izquierdas, republicanos, monárquicos y exiliados sobre la transición de la dictadura a un estado democrático de derecho.

Este filme-mosaico sobre el postfranquismo no deja de lado la reflexión sobre el hecho cinematográfico, como afirma su director: “Este largometraje no está planteado como un documento-reportaje sobre el pasado inmediato, sino todo lo contrario. Pretende ser un intento de reflexión y aproximación a nuestra realidad partiendo de la actualidad, en la que es indudable que se han producido cambios sustanciales en el clima y el ritmo y en cuyo proceso de creación está comprometido todo el país”.

The Radiant (The Otolith Group, 2012)

El jueves 9 de julio, podremos ver en el programa Pantalla abierta, en la web del MACBA, este filme estrenado en la Documenta de Kassel 2012, y que explora los efectos del tsunami del 11 de marzo de 2011, provocado por el terremoto de Tohoku, en la costa oeste de Japón, afectando gravemente a la planta de energía nuclear Fukushima Daiichi. The Radiant está formado por fragmentos históricos y grabaciones de ese momento dramático, destacando el contraste entre las expectativas halagüeñas relacionadas con la llegada de la energía nuclear y la lluvia radioactiva.

El ambiente que crea la banda sonora, que evoca las películas de ciencia ficción, la New Wave y los programas de radio de los sesenta y setenta, nos sumerge en una inquietante sensación de amenaza.  Aunque una cámara no puede capturar la radiación, el contador de sonidos que aplica The Otolith Group puede detectar su intensidad, así la incorporación de aproximaciones sensoriales, no exclusivamente visuales convierte a The Radiant en un film único, que describe de modo inédito la amenaza invisible.

De acuerdo con los autores: “The Radiant tiene que ver con formas de poder implícitas y de identificación con la potencia que otorga la energía atómica. Todo el proyecto de la energía nuclear es una empresa prometeica en la que ciencia y tecnología toman el control de procesos básicos de reacciones en cadena, y lo hacen, supuestamente, por el bien de la humanidad”.

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Telediario Montesol-Only You (Video-Nou, 1977)

El colectivo Video-Nou nació a a principios de 1977, tras las Jornadas de Vídeo organizadas por el CAIC (Buenos Aires), en la Fundación Joan Miró de Barcelona, formado en su mayoría por ex-alumnos del curso CIPLA del Instituto del Teatro de Barcelona, integraba los ámbitos del periodismo, la sociología, la enseñanza, la fotografía, la arquitectura, el arte y el diseño, el urbanismo, la antipsiquiatría y las artes escénicas.

La actividad de Video-Nou se fue centrando en la práctica de la comunicación horizontal, bidireccional y participativa, la “animación sociocultural”, produciendo videos elaborados con la participación directa de los propios interesados que se difunden inmediatamente en su contexto específico y que denominaban “intervención vídeo”.
 Durante seis años (1977-1983) el grupo participó en los acontecimientos históricos que se produjeron en Cataluña y España. Entre sus proyectos hallamos el corto Telediario Montesol – Onliyou, realizado por Javier Montesol con pocos medios y mucho sentido del humor, desmontando la supuesta neutralidad informativa.

A/O (Caso Céspedes) (Cabello/Carceller, 2019)

El 23 de julio, el MACBA difunde en abierto el cortometraje del tándem Cabello/Carceller, centrado en un documento de la Inquisición española de Toledo (Archivo Histórico Nacional de Madrid), cuya primera página reza: Céspedes – Elena y Eleno de. A partir de ahí, las autoras trazan la historia de un/a granadino/a del s. XVI, entre Andalucía y Castilla, que nació como mujer mulata y esclava, vivió como un hombre, se casó por la iglesia con una mujer y ejerció de cirujano.

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La aproximación de Cabello y Carceller es una ficción visual contemporánea protagonizada por una persona de género indefinido y que se vuelve cada vez más introspectivo al identificarse con el personaje histórico. En  A/O (Caso Céspedes) hallamos ecos de Antonioni (Blow Up, 1966) y la obra en que basó (Las babas del diablo, Julio Cortázar), una reflexión sobre la mirada y la fotografía. Las artistas proponen en sus propias palabras Lecturas de análisis sobre cuestiones de género y sexualidades transgénero.

Estado de malestar (María Ruido, 2018-2019)

El ensayo visual que veremos el 30 de julio dentro de Pantalla abierta, transmite una sociedad de la información enferma, partiendo de un episodio autobiográfico de fracaso —en palabras de la autora— que la llevó a consumir antidepresivos. El documental explora los límites entre lo público y lo privado en salud mental, donde las vivencias personales son resultado de un sistema de gestión de la vida impuesto por el régimen capitalista.

Los filósofos Santiago López Petit y Franco Berardi «Bifo», y el psiquiatra Guillermo Rendueles aportan el marco teórico de Estado de malestar. María Ruido decidió denunciar la vinculación entre el estado de tristeza crónica y la precariedad laboral, la eterna incertidumbre, la sociedad digital y el individualismo extremo,, como ella afirma es este “Un trabajo sobre los malestares contemporáneos y el sufrimiento psíquico en tiempos del realismo capitalista”.

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