Andrea Pallaoro conversa sobre «The Echo Chamber»: el amor, la ausencia y los ecos de Bertolucci

Conversamos con Andrea Pallaoro durante la 67.ª edición del Festival de Cine de Tesalónica sobre la responsabilidad de heredar el último guion de Bertolucci, la representación cinematográfica de la ausencia, los ambiguos límites entre el amor y la adicción y los ecos que permanecen en nuestro interior cuando una relación ha terminado.

EVA PEYDRÓ: The Echo Chamber está basada en el último guion de Bernardo Bertolucci. ¿Sentiste en algún momento su sombra sobrevolando el rodaje? ¿Y cómo encontraste la libertad para hacer una película plenamente tuya sin dejar de ser fiel a su visión original?

ANDREA PALLAORO: Es una muy buena pregunta, porque cuando me ofrecieron el guion por primera vez, en realidad lo rechacé. Hasta entonces siempre había dirigido mis propios guiones, siempre había escrito mi propio material, así que sentía que suponía un cambio de rumbo muy importante para mí. Pero después comprendí que también era una gran oportunidad, un desafío, en realidad, para explorar temas con los que me siento muy identificado, aunque de una manera diferente.

Sentía que la responsabilidad de heredar el último guion de alguien como Bernardo Bertolucci era enorme, por supuesto. Pero enseguida tuve claro que la única manera de ser sincero con el material era dejar que pasara por el filtro de mi propia visión, de mi estética, de mi sensibilidad. No había otra manera. No tenía sentido intentar reproducir su visión cinematográfica ni imaginar qué habría hecho Bertolucci, ¿sabes? La única forma de honrar verdaderamente el material, de hacerle justicia de la mejor manera posible, era abordarlo con sinceridad. Y ser sincero con él significaba hacerlo a mi manera, a través de mi propia visión.

Me pareció que tenía muchos elementos autobiográficos, quizá fuera uno de los guiones más autobiográficos jamás escritos. Sentía que estaba conociéndolo y descubriéndolo como hombre, no como cineasta, ¿sabes?

Una de las cosas que más me fascinaron de la película es la manera en que la ausencia se convierte casi en una presencia física. ¿Cómo abordaste el reto de filmar algo tan intangible como la ausencia? ¿Fue principalmente una cuestión de encuadre, espacio, ritmo o de la relación entre los personajes y su entorno?

Absolutamente. Ese fue un tema central para mí. De hecho, cuando leí el guion, fue uno de los aspectos que más me entusiasmaron de la posibilidad de explorar este material.

Me encanta la oportunidad de utilizar el lenguaje cinematográfico, la composición, los movimientos de cámara, la relación con el color e incluso el formato de imagen y la puesta en escena para explorar la presencia a través de la ausencia. Una de las cosas que más me interesaban era observar cómo estos dos personajes principales se persiguen mutuamente dentro de un espacio que nunca abandonamos. Es un espacio en el que permanecemos desde el principio hasta el final.

Y ese espacio encierra la ambigüedad de ser al mismo tiempo refugio y prisión, un depósito de recuerdos y también un lugar de vigilancia. Sentía que la relación entre los personajes se manifestaba a través de su manera de habitar ese espacio. Se comunican entre sí a través de él.

Es como un canal.

Sí, es como un canal de energía entre los dos. Experimentamos su anhelo, su deseo, la necesidad de controlarse mutuamente y de cuidar el uno del otro a través de su manera de habitar el espacio. Y nunca había visto algo parecido en el cine.

Así que para mí fue un desafío realmente interesante. También lo fue la manera en que utilizan los objetos de ese espacio, como la almohada, la taza de café o la bufanda, a modo de avatares el uno del otro. Quería encontrar una forma de utilizar el cine para crear una arquitectura del deseo y del control.

Absolutamente. Has ido directamente al corazón de la cuestión. Porque creo que a través de esta relación, que es una relación extrema, podemos observar y comprender dinámicas que están presentes en muchas otras relaciones.

Creo que la mayoría de las relaciones humanas, especialmente las sentimentales, pueden reflejar elementos de la relación que vemos en la película, aunque quizá en menor medida. Lo que me resulta fascinante es que una relación nunca es una sola cosa. Y que la necesidad de controlar a la otra persona puede ser también la necesidad de cuidar de ella.

Y esa ambigüedad, la posibilidad de que una cosa sea también la otra, de que ambas existan al mismo tiempo, está en el centro de lo que significa ser humano.

Quizá sea la diferencia entre lealtad y dependencia.

Absolutamente. Entre dependencia e intimidad. Entre adicción y amor. ¿Podemos llamarlo realmente amor si es una adicción? Plantea muchas preguntas.

Y para mí era muy importante que cada decisión creativa, cada elección formal, cada decisión estética estuviera orientada al tipo de relación que quería establecer entre el espectador y los personajes. Una relación en la que no le decimos al espectador qué debe pensar o sentir, sino que le permitimos establecer una conexión muy individual e independiente con los personajes. Porque creo que ahí reside la catarsis del arte.

Se trata de proyectarte en el personaje y, a través de él, comprender quién eres.

Anne resulta especialmente enigmática porque su comportamiento parece impulsado por emociones contradictorias: amor, responsabilidad, culpa y, quizá, la necesidad de sentirse indispensable. ¿Cómo entiendes su sentimiento de culpa? ¿Está intentando salvar a Leo o también busca redimir algo dentro de sí misma?

Sí, por supuesto. Absolutamente. Ella es ambas cosas, y es consciente de ser, al mismo tiempo, alguien que controla, que sabotea y que cuida.

Alguien que quiere aliviar el dolor de Leo, llenar su vacío, su vacío emocional. Porque esta es también una película sobre el dolor, sobre el sufrimiento, tanto físico como emocional y psicológico. Y sobre cómo podemos volvernos fácilmente adictos a aquello que alivia ese sufrimiento o que llena el vacío emocional que llevamos dentro, ¿sabes?

Y así, la persona que proporciona ese alivio a la otra puede acabar fácilmente ejerciendo un control sobre ella.

Absolutamente, así es. Y eso es precisamente lo que explora la película. De hecho, la película se convierte en una exploración de los límites entre la adicción y el control.

De cómo encontramos intimidad a través de la adicción y de cómo una misma acción, un mismo comportamiento, puede ser al mismo tiempo una forma de control y de cuidado.

Has reunido a tres intérpretes con presencias cinematográficas muy diferentes: Alicia Vikander, Luca Marinelli y Susan Sarandon. ¿Qué guio tus elecciones de reparto y cómo imaginabas que sus distintas personalidades artísticas influirían en las dinámicas emocionales de la película?

Bueno, son tres intérpretes a los que admiraba muchísimo incluso antes de conocerlos. Son actores que me han inspirado, a los que he admirado profundamente a lo largo de los años y que nos han regalado interpretaciones de una intensidad, una vulnerabilidad y una fuerza extraordinarias.

Todos estamos hechos de ecos.

Así que los elegí por mi deseo de trabajar con ellos, de crear con ellos. Y ha sido uno de los mayores honores de mi vida dar vida a estos personajes a su lado, porque son actores muy diferentes. Proceden de entornos muy distintos y tienen enfoques y procesos artísticos muy diferentes.

Pero todos comparten una generosidad, una dedicación y un compromiso increíbles, además de una ausencia de miedo, una valentía que les permite lanzarse a este proyecto, asumir riesgos y explorar juntos. Y eso fue realmente maravilloso.

Bertolucci exploró con frecuencia relaciones marcadas por el deseo, el poder, la dependencia y la vulnerabilidad emocional. En cierto modo, The Echo Chamber parece retomar estas inquietudes desde una perspectiva diferente. ¿Percibiste alguna conexión particular con El último tango en París o evitaste deliberadamente establecer ese tipo de comparaciones?

Bueno, sí. Creo que los temas de El último tango en París también resuenan en esta película. Sin duda, hay ecos de ellos, ¿sabes?

Y también sentía que El último tango en París explora el control, el enamoramiento o la posibilidad de amar sin querer poseer a la otra persona. Y estos son, sin duda, temas que también aparecen en esta película, que están en el centro mismo de ella.