Matali Crasset, del diseño a la vida

Matali Crasset, diseñadora industrial de formación, inició en 1990 sus pasos en el sector como aprendiz de Denis Santachiara en Italia y Philippe Starck en Francia y a principios de los 2000 dio vida a la sociedad independiente: Matali Crasset Productions. Ella concibe el diseño como una búsqueda y, desde la distancia, interviene en la vida cotidiana para proyectar escenarios para el futuro. Ecléctica, es capaz de combinar campos que van del arte (colaborando con artistas de la talla de Peter Halley) a la industria textil, pasando por escenografía, decoración (trabajando con Moustache) o arquitectura. Tenemos el placer de tenerla con nosotros para hablar sobre diseño, pero sobre todo, y no nos olvidemos, sobre la vida.

Cuéntame un poco sobre ti y tu situación actual. ¿Podrías presentar el estudio Matali Crasset?

En este extraño contexto, desde el 15 de marzo, trasladé mi oficina lejos de París, a la casa de un amigo que yo misma diseñé. Mi hija se instaló en nuestro apartamento de París y está preparando un diseño de colección. Y yo me fui con mi esposo, mi hijo y mi hermana gemela.

Abandoné la comunidad de mi barrio en Belleville. Somos una comunidad con intereses comunes, donde cada uno aporta sus habilidades (cocina, jardinería, yoga, bricolaje…). En mi estudio, siempre he trabajado con Francis, mi esposo, que lo administra y gestiona, al estar ubicado en mi casa, intento mover suficientes proyectos para no estar sujeta a viajes innecesarios. Al final, las dimensiones del estudio se determinan en función de la cantidad de colaboradores con los que uno quiere trabajar.

Un equipo pequeño no impide trabajar a diferentes escalas. De todos modos, si elijo este trabajo es para poder pensar en proyectos, y no me gustaría delegar en ese sentido.

Como mujer, creo que es importante ofrecer otras propuestas para la ciudad, incluso si la accesibilidad es un camino difícil.

¿Qué significa para Matali Crasset el diseño atemporal?

Estilo, no estilo… Al final, son convenciones culturales y sociales. El diseño, o lo que sea que me concierne, no tiene nada que ver con eso, aunque su diversidad de prácticas sea una ventaja.

Intento ver más allá de esta profesión, a través de los proyectos que lidero. Se trata cada vez menos de dar forma a la materia, a la estética, como de resaltar u organizar, en torno a intenciones y valores comunes. En definitiva, socialidad. La mayoría de los proyectos en los que estoy trabajando actualmente destacan esta dimensión del trabajo colectivo y colaborativo. Estoy pensando en el reciente proyecto Maison des Petits en el 104 de París, las casas Sylvan en Fresnes, la escuela Leher enherbe en Trebedan, en Bretaña la Fondation de France, o los Dar’hi en Nefta, Túnez. Hay una dimensión cada vez más local que me interesa mucho. Está claro que la contemporaneidad ya no es una reserva exclusiva del mundo urbano.

Por supuesto, también diseño objetos, pero los objetos no son ni el centro ni el final del proceso creativo. Al final, se trata de proponer un pensamiento más amplio, que atraviese y reúna todas las disciplinas que hagan de los objetos lo que son.

¿Cómo crees que la producción en masa afectó a la artesanía en el diseño de producto?

La razón principal por la que colaboré con Ikea fue por la accesibilidad. Desafortunadamente, el diseño está atrapado o atascado en un mercado de alta gama al que pocos tienen acceso. Paradójicamente también, lo veo en mi experiencia y colaboración con el Vent des Forêts. Creo que podemos hacer muebles personalizados con artesanos a precios más bajos que los de muchos fabricantes italianos o alemanes… Mi modelo de negocio no se basa en regalías o en ventas de galerías. Como mujer, creo que es importante ofrecer otras propuestas para la ciudad, incluso si la accesibilidad es un camino difícil.

Como diseñadora multidisciplinar y prolífica, ¿cuál es su enfoque?

Mi enfoque está vinculado al espacio. No pienso en términos de objetos, sino de escenarios de vida y de uso. Los objetos son interfaces para poder hacer cosas, y la casa la veo como una plataforma. Sé, por experiencia, que un objeto solo sujeto a su función no es una solución suficientemente generosa y que la multifuncionalidad tampoco es el mejor remedio.

En el mandato repetido en las escuelas de diseño, que dicta que hay que producir objetos que tengan sentido, prefiero trabajar en una dirección donde pueda reinventar su función. En lugar de buscar a toda costa simbolizar una función mediante una forma y respetar los códigos de cada sector (por ejemplo, una radio que emite sonido nunca se dibujará como una tostadora que evoca calor) intento encontrar, en la imaginación, el poder de los usos.

Tan pronto como me gradué de la escuela, dibujé tres objetos que llamé difusores para enfatizar lo que dan y no lo que son. Esta “trilogía doméstica” debía completar la función de un objeto dándole tres dimensiones: funcional, poética e imaginaria. Cuando llevé a cabo este proyecto, me hizo darme cuenta de que el conocimiento del diseñador radica en gran medida en esta mezcla doméstica. El trabajo consiste en domesticar los ingredientes que componen un objeto para que sigan una intención, que es la razón de su existencia.

Esta complejidad del proceso de creación hace que el trabajo sea fascinante. Pero también requiere un gran rigor intelectual. Al acercarte al mobiliario, la función se concreta de forma natural en el escenario de la vida. Esto me permite hacer propuestas fuera de los códigos existentes, pero también reafirmar los valores de compartir u hospitalizar, que son los cimientos de mi trabajo. Además, los muebles no se consideran solos, como una estrella, sino un conjunto con los otros equipos y muebles que estructuran la casa. Esto, naturalmente, me invita a desarrollar nociones de modularidad, fluidez y cambio que me permiten calificar mejor el espacio haciendo que las actividades coexistan en lugar de apilarlas o superponerlas. Lo que llamé escenarios de la vida.

Escenarios de vida, escenarios de uso.

Esta perspectiva de proponer escenarios de vida se puede aplicar a los objetos en sus correspondientes escenarios de uso. El cuchillo editado por Forge de Laguiole que hice con Pierre Hermé es un ejemplo de ello. Nos acompaña en un momento de compartir: primero corta el pedazo de pastel y luego girándolo un cuarto de vuelta, se convierte en un servidor de pastel que permite gestos muy fluidos. Este ejemplo nos muestra que podemos estar tratando demasiado de hiperespecializar nuestros objetos y nuestras estructuras cuando sería más apropiado trabajar en las transiciones, en la fluidez.

No pienso en términos de objetos, sino de escenarios de vida y de uso.

La forma y el discurso sobre la forma desvían los problemas reales. Los objetos deben estar en contacto directo con la vida y no solo en apariencia: apariencia de movilidad simplemente agregando dos ruedas a una mesa existente que en cualquier caso no tiene lugar para desplazarse en el espacio. Como tal, la casa de cada uno es peligrosa si nos limita y nos transforma en egoístas, no dispuestos a comerciar con el exterior. La comodidad también radica en la potencia para poder cambiar, evolucionar y crecer en el entorno familiar.

¿Cuáles son tus desafíos e inspiraciones personales? ¿Qué te inspira y motiva hoy?

Lo que me motiva es la vida. Nunca pienso en términos de desafíos, crecimiento… todo esto me suena a un vocabulario tóxico y depredador.

¿Cuál es tu criterio a la hora de diseñar un mueble?

Cada proyecto nace de una reunión y un contexto. Necesito una relación esencial con el cliente. Actualmente me complace mucho colaborar con empresas francesas, en su mayoría PYME con la etiqueta EPV, es decir, empresas de patrimonio vivo, empresas que poseen o dominan sus herramientas de producción. Pienso en Roger Pradier, Maison Berger, Tissage Moutet, Missègle… Las preguntas a las que se enfrentan estas empresas hacen que el papel del diseño sea aún más relevante con la innovación y la tradición.

Luego, hay que intentar encontrar un método para cada proyecto. Lo que me interesa particularmente, no es tanto un elogio a la singularidad, sino crear una experiencia única e intelectualmente emocionante.

¿Cómo ha cambiado el tipo de trabajo que haces desde los primeros días?

No siento que haya cambiado mucho ni mi trabajo ni mi pensamiento desde entonces. Solo tengo la oportunidad de trabajar en diferentes escalas de proyectos.

Los materiales y texturas parecen jugar un papel importante en la estética y calidad de tus productos. ¿Cuándo, en su proceso proyectual, piensa en estos aspectos?

Pienso en términos de proyecto, no de materia.

¿Qué es lo que más te gusta del diseño a Matali Crasset?

Ver los proyectos en vivo.

¿Cómo trabajó con Pascal Yonet (director) y desarrolló el proyecto “Maisons Sylvestres”?

En 1998, la asociación Vent des Forêts contactó conmigo para responder a una cuestión pública; teníamos que pensar en refugios dentro de un lugar en particular: un bosque.

Acercarse al bosque era inevitablemente confrontar e invocar a ciertas figuras (Henry-David Thoreau, con su Walden o la vida en el bosque, por ejemplo) y medirse contra un territorio marcado por los efectos secundarios, siempre visibles, de los destrozos producidos por la Primera Guerra Mundial. También supuso recordar ciertas experiencias colectivas como L’Essai, una colonia libertaria fundada por Jean-Charles Fortuné Henry en Aiglemont de las Ardenas.

Me apasionaba abordar un proyecto donde el campo se convertía en experimento. Había que salir de las cuatro paredes y enfrentarse humildemente con el bosque para escucharlo y observarlo. Para un proyecto experimental, pienso, hay que aplicar una metodología experimental.

Primero, dejé que que la imaginación y los deseos del bosque vinieran. Luego sabía que lo más complicado era la estructura. Entonces, ¿por qué no resolverlo en un primer golpe con “esqueletos” hechos de una sola unidad? Esta metaforma multiplicada, desarrollada y conglomerada, genera un espacio único y potencial para imaginar.

Apliqué un proceso invertido, en el cual, en lugar de simbolizar una función mediante una forma, buscaba en la imaginación la fuerza del uso. Siempre invierto el principio habitual que gobierna nuestra relación con los objetos y los espacios (poniendo una forma en una función) e integro la función en cualquier forma conocida como metaforma.

Todos los usos se vuelven posibles si uno acepta situarse de forma instintiva, como por ejemplo, delante de una herramienta para crear. Por lo tanto, el proyecto propone una biblioteca de formas de escultura, estructuras que se irán activando según el espacio. Un poco como un niño que cuando encuentra una forma preexistente, la integra en su juego y su imaginación.

Este método me parece más abierto, dado que promueve la apropiación colectiva y participativa que ofrece un proyecto. Trabajar la estructura por separado me permite tener más libertad para inyectar vida y cuidar el escenario en el cual se inscribe.

También nos permite ir más allá en la personalización de la experiencia. Por eso, ciertas “estructuras” siempre van acompañadas de una visualización que se materializa en la “casa-refugio”. Cada una ofrece una historia, un uso específico, una relación con el bosque y un tipo de experimento que todos pueden entender y completar. Es un sistema abierto donde la imaginación es fundamental para el proceso creativo.

Para Vent des forêts, por lo tanto, desarrollé cinco tipos de refugios, tres de los cuales se producirán: la casa para pájaros, la avellana y el crisálida. Quiero apuntar que estas no son habitaciones de hotel ecológicas, sino cabañas que ofrecen comodidad simple y rudimentaria. Todo ello construido con estructuras en capa, que se pueden desplazar, no dañan la naturaleza y no alteran su ecosistema. En definitiva: estructuras ligeras sin base.

Vent des forêts, la historia de un orden

Les Maisons Sylvestres nació de una doble voluntad, de un hermoso encuentro y un deseo institucional de apoyar un proyecto ambicioso y unificador. Una comisión artística pública, la única en Mosa, llevada por un deseo y un cuestionamiento ¿Cómo hacer posible nuevas formas de creación en el corazón de la zona rural, para estimular una dinámica aún más innovadora en el crisol del Vent des forêts?

La asociación respalda su enfoque para explorar nuevos campos al reflexionar sobre los desafíos que enfrenta cualquier centro de arte, al cambiar los contornos iniciales del proyecto más allá de los límites habituales de las artes visuales. Pascal Yonet y Matali Crasset se enfrentan a un proyecto atípico, con el fin de proponer un diseño fuera de los círculos establecidos, en un entorno rural donde las mentes y las redes son más abiertas, más receptivas a una propuesta experimental. El proyecto Maisons Sylvestres se forma gradualmente, con el tiempo, sin un modelo preexistente porque es único.

El desafío de su realización y la implementación práctica de las Casas Sylvester no ha agotado las energías, por el contrario, la creación de una línea de objetos diseñados por Matali Crasset da una nueva tensión al proyecto. Ella desea, con series muy pequeñas hechas de materiales nobles, ofrecer más a cada usuario. No hay un diseño hecho a mano, sino un proyecto a medida, tejido con artesanos locales. No existe una receta para encontrarlos, conocerlos, y obtener su apoyo, todo se establece a través de un marco de trabajo informal y conmovedor. Al venir de entornos muy diferentes, establecen sinergias muy interesantes. Para Philippe (1), el tornero de la madera, Georges (2), el cestero o Colette (3), la tejedora, establecen una mirada fresca, imaginando una práctica más contemporánea. El apoyo basado en relaciones humanas a largo plazo, y no en la difusión a corto plazo de la producción, es la clave de la confianza que crea las condiciones para este cumplimiento. La reciprocidad de los enlaces tejidos reafirma la base del proyecto Vent des Forêts, dando vida a un centro de arte en el corazón de una zona rural, pero también, genera un enlace para hacer comunidad. Diseño y artesanía se convierten en dos ramificaciones legítimas en un contexto favorable, en un territorio único.

El cuestionamiento sobre la naturaleza de un compromiso, sus motivaciones, sus desafíos, sus implicaciones humanas, económicas y ecológicas y la relevancia y variedad de respuestas proporcionadas nos permite experimentar con una nueva tipología de lugar de creación contemporánea, cuyo nombre aún puede ser revelado.

¿Podría describir el proceso de esta colaboración y los objetos que está produciendo actualmente?

No tengo un método estándar. El método depende del proyecto y el contexto. Intento deshacerme de un sistema de pensamiento.

Por supuesto, probablemente tenga una estética, una escritura… pero trato de pensar en cada proyecto como una aventura singular.

La escuela es un acelerador, tienes que usarlo para experimentar, cometer errores…

Para explicar mi método de trabajo, a menudo explicaba que tenía campos en mi cabeza. Hay campos donde el mismo material crece durante mucho tiempo, otros que son inaccesibles o en barbecho. Cada campo representa un centro de interés que cultivo inconscientemente a diario. Los proyectos realizados los fertilizan a todos.

En la forma de pensar, me siento bastante cercana a Bruno Munari… Nuestras vidas han cambiado, pero la estructura móvil se ha fosilizado. Hace más de medio siglo, Nanna y Jorgen Ditzel ya compartieron esta reflexión: “Un día, a principios de 1952, mientras Jorgen Ditzel y yo estábamos en el trabajo, estábamos hablando sobre posibles formas de progreso, lejos de la convención. ¿Puede un mueble compuesto por un sofá y dos sillones ser el propósito de crear una línea de muebles? Contamos la cantidad de pies que sostienen los muebles en nuestra modesta sala de estar y llegamos a alrededor de 50. Luego subimos a la mesa de la cocina y allí todo parecía completamente diferente desde ese punto de vista.” Otro punto de vista, dar un paso al costado, eso es lo que me interesa, no ser poco convencional, sino considerar nuestra relación con el otro y con el espacio en su riqueza y diversidad.

¿Cuál fue el proyecto más satisfactorio en el que trabajó?

Proyectos globales de la A a la Z como los de Philippe Chapelet y Patrick Elouarghi (Hi Hotel), Vent des forêts…

El proyecto del hotel Hi supuso un paso importante en varios niveles. En la relación con mis patrocinadores, Patrick y Philippe, el proyecto exuda confianza mutua, un entretejido de nuestros sistemas de pensamiento que ha continuado expandiéndose durante diez años. Es un vínculo intelectual muy dedicado a nuestro anfitrión, que viene a pasar un tiempo en las estructuras imaginadas para él, que responden a su curiosidad, que sacan lo mejor de todos.

Antes del hotel Hi, experimenté mucho creando espacios efímeros. Gracias a Patrick y Philippe, pude ofrecer espacios experimentales que demuestran que la vida en un hotel es mucho más rica si vas más allá de los códigos anticuados de los hoteles estándar. El hotel es el lugar donde la estandarización ha sido particularmente fuerte, con un estándar internacional que ha prevalecido en todas partes. El hotel Hi toma una posición diciendo: Ven y vive una experiencia. Es un lugar de experiencia personal y también un lugar de interacción con los demás gracias a los espacios comunes que promueven el encuentro. Lo pasamos bien con otras personas de mundos diferentes, lo que nos enriquecerá mutuamente. El hotel Hi se alimenta de esta diversidad, como un organismo vivo que fluctúa según sus habitantes y que se alimenta de él para evolucionar.

¿Qué busca devolver Matali Crasset a la comunidad de diseño? ¿Cómo puede una joven generación de creadores construir sobre lo que has hecho?

La curiosidad es el primer conductor. La escuela es un acelerador, tienes que usarlo para experimentar, cometer errores… y no hacer pasatiempos o construir un libro…

¿De qué otra forma pueden destacarse los diseñadores, especialmente si están fuera de la escuela y tratando de encontrar trabajo? ¿Crees que el ego es un aspecto importante en el trabajo de un diseñador?

Lo que me impulsa es hacerlo.

Tienes una gran admiración por los objetos cotidianos bien diseñados y ejecutados que mejoran la vida de las personas, ¿hay algún objeto en particular que desearías haber diseñado? ¿Puede contarnos sobre sus proyectos actuales y futuros?

Recientemente completé un proyecto de apartamentos Rainbow and the Grove en París, así como un patio de juegos Stries y compañía, para Place de la Nation como parte de la convocatoria de proyectos para hacer el diseño organizado por el Pavillon de l’Arsenal.

Al igual que el mundo, las áreas de juego se han convertido en objetos industrializados como los centros de nuestras ciudades; que se parezcan donde quiera que estés y, sobre todo, sin alma porque solo es la expresión de un sistema de producción.

Los parques infantiles son las primeras áreas de libertad, en el espacio público, para nuestros niños. Forjan su relación con el mundo, con el medio ambiente… Por lo tanto, debemos reducir la tensión entre la creatividad y el control que están presentes en cada patio de recreo, experimentando con nuevas materializaciones.

Actualmente estoy trabajando en proyectos arquitectónicos con Philippe Chapelet y Patrick Elouarghi, patrocinadores y cómplices del hotel Hi en la extensión de Dar Hi en Nefta y la granja HI.bride, una renovación en el sur de Francia. Para Missègle, diseñé un hangar, una oficina, una tienda de fábrica … y también desarrollé proyectos textiles.

Trabajo en el diseño de interiores de un establecimiento de primera infancia en Chalons-sur-Saône en colaboración con los arquitectos Sénéchal-Auclair y el taller Zero Carbon. Estamos trabajando en un proyecto de desarrollo para el ENS Paris Saclay, arquitectura de Renzo Piano, que se entregará a finales de 2020, el proyecto gira en torno a las instalaciones de muebles y viviendas.

Como parte de la exposición Places to Be, creé una instalación para la Fundación Martelle Cognac que se descubrirá cuando la vida reanude su curso… Sigo dibujando objetos, como una colección de gafas para Théo y varios proyectos de muebles. Desde el confinamiento, dibujo de una manera diferente, estos dibujos no están directamente relacionados con mi práctica como diseñadora, ni relación con el proyecto…

(1) Philippe Huet, artista tornero de Souilly.

(2) Georges Heitzmann, miembro de la comunidad de viaje, Ligny-en-Barrois.

(3) Colette Chatelet, tejedora en Brocourt-en-Argonne.

Foto de cabecera: Matali Crasset ©Julien Jouanjus