Diseño en conversación: Azucena González y Lucía Meseguer

De las diseñadoras e ilustradoras Azucena González y Lucía Meseguer podría decirse ese lema noventero de que son Jóvenes Aunque Sobradamente Preparadas (JASP). Ambas tienen una capacidad especial para conectar con cualquiera, gracias a la expresividad, singularidad y narratividad de sus composiciones. Su proyección rebasa la ciudad de Valencia, y como un relámpago, su obra ha ido calando dentro y fuera de España. Aprovechamos para conversar con ellas sobre su obra, trayectoria y ferviente alcance social.

¿Qué vino antes, el arte o el diseño?

Lucía: El arte, sin duda. El arte siempre ha estado ahí, desde el arte rupestre hasta la evolución que conocemos hoy día como disciplina. Más tarde, conceptualmente llegaron los términos de artes plásticas, artes visuales y artes gráficas unidos a necesidades concretas como la imprenta, la editorial o la publicidad.

Es muy difícil desdibujar las fronteras entre el diseño y el arte, y a la vez hay una línea muy delgada que entrelaza ambas disciplinas.

Azucena: El diseño. El concepto de Arte (con mayúsculas) es posterior. El diseño ha sido desde el inicio herramienta fundamental para la proyección de cualquier idea, proyecto, objeto, pieza, joya, cosa… digamos que, una teoría-práctica. El primer boceto para inventar la rueda fue dibujado en la arena. O seguramente le cortaron las esquinas al cuadrado para probar a ver si aquello funcionaba: fuera dibujando o quitando esquinas, aquellas mujeres diseñaron la rueda (porque seguro que fueron mujeres, que los hombres estarían cazando, los hombres eran muy fuertes no necesitaban transportar nada… Sin duda estaban diseñando, no pretendían realizar una performance a lo Esther Ferrer.

¿Cuándo decidisteis dedicaros profesionalmente a la ilustración y/o diseño gráfico? ¿Hubo algún momento, algún detonante? 

Lucía: Desde pequeña me apasionaba el color, componer, dibujar y experimentar con papeles y pinturas. Me parecía la manera más potente de dar rienda suelta a mi expresión creativa, plasmando distintas ideas, mensajes, soluciones y emociones a través de la imagen.

Sí que tuve un momento que me despertó mucho mi curiosidad hacia el diseño gráfico. De adolescente me encantaba decorar los escaparates del negocio familiar. Recuerdo obsesionarme con todo el material de la marca de relojes Swatch. En esos instantes, jugando y viendo sus gráficas comerciales a diario, supe que quería ser diseñadora, fantaseando con la idea de que algún día trabajaría para una marca como Swatch, haciendo sus catálogos, sus relojes, o lo que fuese… es una ilusión que aún no he perdido. Creo que sensibilizarte por el papel, el olor a tinta y el material impreso es fundamental para entender la profesión.

Azucena: En mi caso no ha sido una decisión, es algo que ha surgido, no tenía ni cinco años cuando ya dibujaba con la ilusión de ser artista de mayor, es algo que he respirado desde la infancia. Mi padre es escultor y se puede decir que he crecido en un taller rodeada de tornos, arcilla, escayola y libros de arte. Yo no me defino como ilustradora, abogo por una interdisciplinariedad. La ilustración es una parte de mi trabajo artístico.

¿Pensáis, como Milton Glaser, que diseño y arte son asuntos distantes?

Lucía: Absolutamente, además me has tocado la fibra, es uno de mis favoritos y un gran referente. Considero que el diseñador crea algo funcional buscando una solución práctica a un encargo, normalmente, por un cliente con una necesidad concreta. Sin embargo, el arte lo crea el artista como una expresión personal y emocional de sí mismo y por la búsqueda de un disfrute propio en el desarrollo. No dudo que el diseño pueda ser una expresión artística en ciertos encargos puntuales, hay un línea muy delgada. El gran debate que siempre seguirá existiendo y con mil matices y opiniones encontradas. ¿Somos artistas? Yo, al menos, no me considero una artista.

Azucena: No son distantes, son conceptos diferentes, que pueden ir de la mano en algunos casos o no. Creo que los dos comparten la percepción de la forma, el espacio… todas esas características des beaux arts, pero hay algo que los separa: la funcionalidad.

Desde que empezasteis, ¿en qué creéis que ha mejorado el arte gráfico en España desde entonces?

Lucía: En muchos aspectos, sobre todo en el ámbito de difusión, acceso a recursos e inspiración, con la infinidad de plataformas e intercambios actuales. Lo que me interesa especialmente es que el profesional ya no tiene miedo de mostrar sus métodos, sus procesos creativos de forma explícita, me encanta como se expone y se intercambian los conocimientos, lo transversal, lo colaborativo. Hace unos años era impensable, había un recelo incomprensible. Ahora es un placer el panorama local y nacional, hay gente buenísima haciendo muy buen diseño e ilustración.

Azucena: Considero que el nivel creativo mediterráneo es muy alto. Y pese a su diversidad, hay rasgos culturales que lo caracterizan. Eso me gusta. Es cierto que con la globalización las influencias vienen de todas partes. Pero creo que los trabajos más genuinos que surgen a día de hoy son aquellos que consiguen canalizar las influencias externas y reinterpretar el mundo que los rodea. Lo bonito de esto es que el espectador vuelve ha realizar el mismo ejercicio.

A pesar de que ya se puede hablar de vuestro estilo, ¿cuáles creéis que son las principales influencias que habéis tenido?

Lucía: En el campo del diseño gráfico, uno de mis mayores referentes, e influencia directa, siempre ha sido la obra de Jacqueline S. Casey, por su elegancia y minimalismo. Cipe Pinoles y su dirección de arte en las distintas revistas que contribuyó ha sido una base absoluta en mi trabajo en editorial. La tercera pata del diseño la conformaría Deborah Sussman, por su uso de la forma y especialmente del color.

En el collage, es muy inspiradora la obra de Hannah Höch, una pionera en la técnica del fotomontaje como medio de expresión y denuncia. Y como no, Nicolás de Lekuona, a pesar de su corta carrera, este artista multidisciplinar dejó una obra maravillosa, la poesía de sus fotomontajes me resulta muy seductora y potente.

Azucena: Mis influencias son dispares. Desde Malevich, Juliâo Sarmento, Hopper, Erwin Wurn, Brancusi, Juan Gris, Mathias Seischer, David Hockney, Bachelard, Gilles Deleuze, The Smiths, Keith Jarrett… sin cronología ni jerarquía. Lo que escucho, lo que veo, lo que leo, lo que percibo.

¿En qué os inspiráis a la hora de abordar un diseño, pieza artística o ilustración? ¿Cuál es vuestro criterio estético para que le deis el visto bueno a un trabajo vuestro? 

Lucía: En cualquier proyecto se empieza por una fase de análisis y de investigación precisa e intensa, que sirve de base de inspiración para que empiecen a fluir las ideas. La curiosidad ante todo. Intento que forma, función, contenido y estética vayan siempre de la mano en cada proyecto, desde el encargo más pequeño hasta el más ambicioso. Habitualmente, sigo un sistema propio, pero también me dejo llevar por la espontaneidad y la intuición, según el proyecto te mueves para un lado o para otro. El proceso es importante, pero no hay que perder el foco sobre el objetivo final para obtener un buen resultado con un concepto bien equilibrado.

Azucena: No sé cómo responder. No me inspiro en algo concreto. Vivo “cosas”, observo “cosas”, aprendo y desaprendo y canalizo con mis medios. Ciertos trabajos son reflexiones desde la propia práctica artística y, otros, vienen de experiencias de lo cotidiano , de vivencias y aprendizajes en la vida. Quizás, por eso existe una línea algo diferente de mi trabajo de esculturas, pintura expandida, instalaciones… y la que es más catalogada como ilustración.

Trabajáis para marcas, branding, temas de comunicación, ilustración… ¡nada se os resiste! ¿creéis que es necesario mantener un estilo o, por el contrario, es mejor desligarse de una técnica concreta para abordar cada trabajo? ¿Intentáis mantener vuestro estilo o es más importante el mensaje que pretendéis transmitir? 

Lucía: Necesito experimentar constantemente para no encasillarme, pero es cierto que a veces te piden un estilo en concreto y ahí has de dar la solución para la que te han contratado. A veces me han tildado de collagista, y no me considero como tal, para mí es una forma gráfica de expresarme, uso esa técnica de forma personal o cuando algún proyecto la pide porque sí funciona.

Considero que cada proyecto requiere su propia esencia, si te permite darle tu toque personal, entonces el proceso creativo es genial. A mí me encanta jugar con el humor, sin embargo, ni tiene cabida en todos los clientes ni lo veo adecuado, lo uso cuando tiene lógica. En el proceso de investigación para un proyecto abro y expando mi mente porque la solución gráfica para el encargo creativo de una empresa o producto puede estar en otro sector o en cualquier otra herramienta. Un paseo, un libro, una película, una conversación, un silencio… Cualquier situación o persona es susceptible de ofrecer una idea que te inspire.

Azucena: En el caso de la técnica creo que hay que buscar y elegir la adecuada a cada necesidad. Normalmente pueden ser varias las que funcionen, en ese caso, personalmente, elijo la que me es más atractiva en su producción o resultado y con la que me siento a gusto. Me parece importante el ritual del disfrute en el proceso creativo y de producción.

La disyuntiva del estilo para mí es algo que está presente, pero que no llega a preocuparme. Encasillar a un artista o creativo en un estilo me parece un error. Y el error comienza cuando se habla generalmente del estilo de un autor pensando en la forma estética de sus obras. No creo que el estilo propio se base en la formato. Al menos no siempre. Valoro mucho la versatilidad en la creación, aunque a veces puede ser un problema a la hora de elegir. Hay muchas cualidades que pueden caracterizar el trabajo de un artista, como por ejemplo, los planteamientos, las reflexiones, el punto de vista desde el que se aborda un tema… y la forma, la técnica, el estilo gráfico y/o otras cualidades plásticas acaban completando su sentido. Es un todo,  no uno más que otro. Armonía entre contenido y forma. Al menos para mí.

Si empezarais ahora mismo de cero, ¿qué errores evitaríais y qué pasos repetiríais de nuevo?

Lucía: ¿Errores? No haberme divertido más en el pasado en los proceso creativos, me lo tomaba tan en serio que sufría por el grado de exigencia a mí misma si no salía a tiempo o satisfecha, la falta de relajación inicial por falta de experiencia, quieres darlo todo y aún tienes tanto por aprender.

¿Qué repetiría? Las experiencias, el conocimiento tan grande al lado de grandes profesionales, el cachondeo vivido y el gran equipo de personas con las que he colaborado en todos estos años. Necesito divertirme en mi trabajo, y ahora sí lo disfruto al 100%.

Azucena: Creo que me preocuparía aún menos del punto anterior. Y disfrutaría más de los momentos en el taller y de aquéllas cosas personales que aportan y restan, aportan y restan, aportan y restan… y generan esa motivación que tenemos de crear. Me preocuparía menos por el mañana y viviría más el ahora. En conclusión, todo lo que “parece” que he hecho mal lo haría aun peor.

¿Pensáis que Valencia es una ciudad cómoda para desarrollar vuestro trabajo como artistas, diseñadoras e ilustradoras?

Lucía: Sin ninguna duda, a mí personalmente me ha ido bien, siempre he tenido las puertas abiertas y muchas oportunidades por la orientación a currar. Sin prisa, pero sin pausa, pasando por cada fase, en estudios de diseño, agencias de publicidad, dirección de equipo y ahora en mi propio estudio.

Azucena: Dedicarse al arte no es cómodo en ningún lugar del mundo, porque es una pasión y una constante búsqueda de realización personal, al mismo tiempo,, es un trabajo, una inversión constante, una incertidumbre (ja, ja). Y oye, nos encanta. Creo que todo el mundo se puede hacer una idea. Valencia ha podido ser cómoda en algunos aspectos hasta ahora. Concretamente, en la posibilidad de tener un taller, pero eso está cambiando. En cuanto al mercado nada que ver, tenemos el ejemplo de Pepita Lumier y otras galerías interesantes que se han visto obligadas a bajar la persiana. Diría que Valencia es un lugar donde aún se puede producir pero desgraciadamente no es la tierra de las oportunidades en este sector.

¿Qué es lo que más admiráis del trabajo de Azucena / Lucía?

Lucía: Azucena es una explosión de color, de frescura y atrevimiento, me gusta su transgresión e irreverencia, y en cuanto al uso del color, me siento muy identificada con ella. Su versatilidad me parece un punto muy fuerte. Los objetos y telares tejidos me encantan. ¡Brava, Azucena!

Azucena: Para empezar su trabajo es muy versátil. ¡Sus collages emocionan! Tienen ese toque del pasado muy bien integrado con colores vivos que te llevan al presente, y todo ello muy dinámico. Hay algo cinematográfico en su trabajo. Son imágenes fijas que percibes con mucho dinamismo en su composición, todo ello abordando el absurdo de una manera muy original y perfectamente adaptada a su finalidad. Resulta evidente la enorme creatividad de Lucía Meseguer y el buen gusto con el que desarrolla su trabajo creativo. Esta es una de las grandes aportaciones del di,seño; adapta cualidades artísticas a objetos cotidianos, en tu casa, en la calle… ¡Y te encuentras con packagins de embutidos que no puedes desechar porque son preciosos. ¡Son de Lucía!